Eh bien, cela se résume vraiment à des contraintes de temps. J'ai travaillé sur de nombreuses émissions de télévision où c'était la pratique standard, et bien que j'aie adopté la mentalité «rendre unique à chaque fois», j'ai rapidement compris la valeur des modèles BG et FX et adopté le flux de travail.

Gardez à l'esprit que de nombreux responsables de programmes réseau / câble ne partagent pas le même désir d'originalité que vous; respecter le budget et respecter les délais sont des priorités bien plus importantes pour eux. En outre, certains producteurs exécutifs veulent les mêmes sons d'un épisode à l'autre. Cela crée une continuité et aide à lier les séries ensemble.

Un autre avantage de cette approche de modèle est que vous disposez désormais d'un ensemble de scénarios incontournables pour les projets à rotation ultra-rapide, tels que les pilotes TV et films à petit budget. Lorsque vous avez juste à le faire, c'est génial d'avoir ces effets et BG pré-construits à portée de main.

J'essaie de ne pas réutiliser beaucoup / aucun matériel d'un film à l'autre (sauf si Cela a vraiment du sens de le faire), mais les horaires des films sont généralement beaucoup plus indulgents que ceux de la télévision.

Il n'y a pas de honte à recycler vos affaires - rappelez-vous, les meilleures idées sont généralement empruntées à quelqu'un d'autre !

PS: Je ne me soucierais pas des groupes de régions car vous perdriez toute l'automatisation du volume et du panoramique. Mieux vaut conserver les sons récurrents dans une session de modèle, puis importer des pistes à partir de celle-ci si nécessaire.

Il y a très très longtemps (par exemple au milieu des années 90), j'ai créé une base de données Filemaker Pro pour générer des EDL pour PostConform (une application Digidesign pour la conformité) afin de conformer les ambiances d'une série télévisée! Donc, par exemple, nous travaillions sur le deuxième troisième cycle & d'une série télévisée, et j'avais des ambiances composites pour la plupart des endroits et je les ai donc sorties en timecode DAT, avec un journal des heures d'entrée / sortie pour chaque ambiance ... à chaque nouvel ep, je signalais simplement les scènes dans ma base de données Filemaker Pro, étiquetais les ambiances de la scène & puis produisais un EDL, démarrais PostConform & conforme les ambiances de mon DAT & puis commence à peaufiner ....

Ahhh TV, ça ne me manque pas du tout - mais c'est un très bon endroit pour perfectionner vos compétences & devenez rapide à couper! Comme le dit le dicton: "Ce n'est pas à quel point vous êtes bon, ce n'est pas à quel point vous pouvez être bon dans le temps disponible"

Je fais ça aussi. Un spectacle que nous venons de terminer avait beaucoup de séquences et de lieux répétés. Pour les emplacements, j'ai donné le tracklay aux groupes pour leur faire gagner du temps en superposant le même ensemble de sons à chaque fois que nous sommes à cet endroit. Je l'ai également fait pour les sons de transition (correspondant au logo volant). C'est vraiment pratique si vous avez beaucoup de choses répétées.

Le temps est devenu encore plus serré, alors j'ai fini par jouer des fichiers stéréo mixés pour les atmosphères répétées et les ai utilisés à la place car je n'avais pas besoin d'équilibrer les sons individuels pour créer le même mix à chaque fois.

Excellente question / idée ... Je n'avais jamais pensé à créer des ambiances d'arrière-plan prédéfinies. Cela a du sens surtout si, comme quelqu'un l'a dit, vous travaillez sur une série télévisée et que vous voulez la continuité.

Oui, c'est une pratique courante, et je la connais bien - je soutiens même fortement l'idée de la télévision. Comme l'a dit Jay, c'est avant tout une question de contrainte de temps. Les émissions de télévision, même les émissions aux heures de grande écoute, ont un tour éditorial de 5 à 6 jours pour l'ensemble de l'émission de 45 minutes. Les modèles peuvent vous sauver la vie et garder un spectacle sous contrôle, en particulier sur certains spectacles basés sur SFX où il est facile d'exécuter 96 pistes ou plus de matériau coupé. Et dans les émissions où il y a toujours de nouveaux indices récurrents à l'écran dont il faut tenir compte.

Tim est également très valable dans sa citation qui soutient également la notion de Jay sur la créativité - oui, il y a de la place pour soyez créatif et vous voulez injecter des idées créatives dans chaque nouvelle émission. Cependant, il faut apprendre très vite qu'il y a un point de rendement décroissant dans le flux de travail de la télévision, et cela vous envahira rapidement si vous ne faites pas attention. C'est une "créativité avec modération" ou "créativité restreinte", je suppose - vous choisissez vos moments pour briller. Je pense que l'éditorial télévisé est un exemple éclatant de "Clear Density, Dense Clarity" de Walter Murch. , de nombreuses émissions ont des appareils, des ordinateurs, des armes, des arrière-plans récurrents, vous le nommez - et l'avoir à portée de main dans un modèle (ou signifie le conformer comme Tim l'a mentionné) est la seule garantie de continuité.

La télévision et le cinéma sont des mentalités très différentes pour un éditorial sonore, mais il y a des avantages à être familier en travaillant dans les deux modes et en apprenant comment certains aspects de chacun peuvent effectivement se croiser. Il existe un type différent de créativité impliquée dans ce modèle. une méthode de télévision axée sur la créativité, mais elle est toujours de nature très créative.